La escultura de punto de Patricia Waller «Winnie Pooh», con el célebre personaje de libros para niños, muere víctima de suicidio y cuelga (valga la redundancia) en la exposición «Héroes rotos» en la Galería Deschler de Berlín, Alemania desde el pasado 26 de abril de 2012. (Foto: Adam Berry / Getty Images)
Las carreras de caballos son parte esencial del Naadam, un festival organizado cada mes de julio en Mongolia para celebrar la Revolución del Pueblo. La utilización de niños como jinetes en carreras de este tipo tiene una tradición de siglos. Los niños y niñas montan a partir de los 5, aunque la ley impone un límite de edad mínimo de 7 años. Montar en las carreras puede ser muy peligroso, con cientos de caballos que corren a través de la estepa distancias de 12 a 28 kilómetros a gran velocidad.
En la preparación para el Naadam, los niños participan en las carreras con la práctica continua y ayudan a los entrenadores a cuidar los caballos de carreras. Según algunas estimaciones, entre 150,000 y 180,000 caballos compiten en carreras de 500 cada año, en el que están también comprometidos más de 30.000 niños jinetes. Las fotos fueron tomadas en Baganuur en 2008. (Foto: Tomasz Gudzowaty)
David Stoker crea imágenes que cuentan una historia. Ricas y atmosféricas, sus imágenes detienen un momento en el tiempo dejando que el espectador decida, o se pregunte solo lo que cada personaje está haciendo. El trabajo de David ha sido reconocido en el Communication Arts Photo Annual, Communication Arts Fresh online, Graphis100 Best in Photography 2012, PDN’s Photo Annual (2009, 2011), Luezer’s Archive, y los International Photography Awards (IPA – 2009, 2010).
Smalldog Imageworks. Retoque creativo para el calendario «Trail Grazers» de Chick-fil-por el fotógrafo Andy Mahr, 2011. (Foto: Andy Mahr)
La joven artista radicada en Shanghai, Hong Yi, también conocida como Red, utiliza 750 pares de calcetines para crear un retrato bastante inusual del famoso director de cine chino Zhang Yimou. Yi, que es famosa por su retrato «Mancha de Café», pasó más de tres semanas sobre el proyecto utilizando calcetines de color negro, blanco y gris. (Foto de Ohiseered.com)
Una activista por los derechos animales se lava con tinte rojo para imitar la sangre durante una protesta contra las pruebas de champú en los animales. Barcelona, 24 de abril 2012. (Foto: Raúl Albaledo / Foto AFP)
Sally Mann (nacida en Lexington, Virginia, en 1951) es una de las fotógrafas más reconocidas de los Estados Unidos. Ha recibido numerosos premios, incluyendo el NEA, NEH, y varias subvenciones de la Fundación Guggenheim. Su trabajo está en manos de las instituciones más importantes a nivel internacional. Sus muchos libros incluyen Second Sight (1983), A las Doce (1988), La Familia Inmediata (1992), Still Time (1994), Lo Que Queda (2003), Deep South (2005), La Carne Orgullosa (2009), y La Carne y el Espíritu (2010). Una película sobre su trabajo, Lo Que Queda, se estrenó con gran éxito de crítica en el 2006. Mann está representada por la Gagosian Gallery de Nueva York y vive en Virginia.
Edouard Martinet nació en Le Mans, Francia, en 1963. Estudió arte en la ESAC de París y se graduó en 1988. De 1988 a 1992 vivió y trabajó en París como diseñador gráfico, y en 1990 comenzó a exposiciones de escultura y puesta en escena. De 1992 a 1995 vivió en Charente antes de trasladarse a su ubicación actual en Rennes, donde enseña arte en L’Institut des Arts Apliques.
Sleeveface es un fenómeno en las redes sociales de Internet en el que una o más personas cubren o aumentan partes del cuerpo con la funda de un disco de vinilo, causando una interesante ilusión óptica.
El origen exacto de este concepto es desconocido. El término «Sleeveface» fue acuñado en abril de 2007 por el residente de Cardiff Carl Morris, después que las imágenes fueran tomadas por él y sus amigos para una celebración poniéndose fundas para discos en la cara mientras pinchaban sus LP’s favoritos en un bar de Gales. Su amigo John Rostron publicó algunas de ellas en Internet y ha creado un incipiente grupo de fans en Facebook. A partir de aquí la locura se hizo más conocida y se ha popularizado en las redes.
John Rostron y Carl Morris son autores del libro «Sleeveface: Sea el vinilo», publicado en 2008 por Workman Artisan, en el que se recopilan sleevefaces de todo el mundo. Puedes visitar su sitio web en: www.sleeveface.com – Wikipedia
Li Wei (nacido en 1970 en Hubei, China) es un artista contemporáneo radicado en Beijing. Su obra a menudo lo representa desafíando aparentemente la gravedad en situaciones poco convencionales. Wei comenzó su serie de presentaciones «Reflejo», y después logró llamó la atención con su serie de caídas que muestran al artista con la cabeza y el pecho incrustados en el suelo. Su obra es una mezcla de arte performance y fotografía que crea la ilusión de una realidad a veces peligrosa. Li Wei afirma que estas imágenes no son montajes de ordenador y contruye las obras con la ayuda de accesorios como espejos, cables de metal, andamios y acrobacias.
La obras de Wei se han publicado en portada de las siguientes revistas: Flash Art, el trabajo, Magazin, Frankfurter Rundschau, De la Red, Zoom, Julieta, Contemporáneo, Foro Teatro, Arte Nueva York, Literatura de Bellas Artes, Lápiz y Arte al Límite – Wikipedia
David LaChapelle (nacido el 11 de marzo 1963) es un fotógrafo y director de arte que trabaja en los campos de la moda, la publicidad, y la fotografía artística, y se caracteriza por su estilo surrealista, única, sexualizado, e incluso cómico.
Un visitante interactúa con la instalación de luz del artista de origen británico Anthony McCall durante una vista previa de la exposición «Anthoy McCall. Cinco minutos de la escultura pura» en el Hamburger Bahnhof Museum de Berlín, el 19 de abril de 2012. La nueva exposición de las proyecciones de McCall, que ha venido desarrollando desde la década de 1970, abre sus puertas del 20 abril hasta el 12 agosto de 2012. (Foto: AFP Photo / Pilick Stephanie)
Charlotte Roirdan, de Lyon y Turnbull, posa cerca del retrato de una mujer que llevaba un bikini hecho enteramente con postales de la Reina el 20 de abril de 2012 en Edimburgo, Escocia. Se estima que el «Retrato de la chica en bikini amarillo» de David Mach, recaude entre £ 4.000 y £ 6.000 en la Venta Escocesa Contemporánea, que se celebrará el próximo 25 de abril. (Foto: Jeff J. Mitchell / Getty Images)
Durante la última edad de hielo, la isla de Akimiski en la bahía de James, en Canadá, había quedado bajo enormes glaciares que presionaron hacia abajo con una fuerza inmensa. A medida que el clima cambió y se retiró el hielo, Akimiski comenzó una recuperación gradual. El lento pero constante aumento de altitud de la isla se registra a lo largo de sus bordes, terrazas naturales de la costa donde parecen estar grabados los anillos de la cuenca, resultado de la masa creciente y la acción de las olas en el mar. (Foto: USGS / NASA)
La obra «PLUS», instalación temporal de ALU + ABC se muestra en el Atelier 5 Corso Como, en el marco de la Semana del Diseño de Milán 2012, el pasado 15 de abril de 2012 en Italia. (Foto: Stefania D’Alessandro / Getty Images para ABC y ALU)
Muchachas núbiles de la tribu Karo bellamente pintadas, en el valle del Omo, al Suroeste de Etiopía. Enero de 2008. Los Karo han logrado mantenerse relativamente al margen de la «civilización» moderna, dedicándose al pastoreo y manteniendo sus tradiciones. (Foto: Brent Stirton / Getty Images / Discovery Communications)
Patricia Piccinini (nacida en 1965 en Freetown, Sierra Leona) es una artista y escultora hiperrealista australiana. Su obra alcanzó fama en Australia a finales de 1990. En el 2003 fue seleccionada como la artista para representar a Australia en la Bienal de Venecia.
Las obras de técnica mixta de Piccinini -integrando diferentes medios como en la serie Bebés Camión y la instalación Somos Familia– se exhibieron en Venecia en 2003. Piccinini trabaja con una amplia gama de medios artísticos, incluyendo escultura, vídeo, dibujo, instalación e impresiones digitales. Sus obras de arte más importantes suelen reflejar su interés en temas como la bioética, la biotecnología y el medio ambiente. Otros artistas australianos que trabajan en un lenguaje similar son Martine Corompt, Jinks Sam y Ron Mueck.
El trabajo de Piccinini a menudo antropomorfiza objetos inanimados y los presenta con un alto grado de acabado y realismo, revelando una clara influencia del surrealismo del siglo XIX y de la publicidad del siglo XX.
El artista y diseñador japonés Makoto Tojiki utiliza de manera innovadora la luz como su principal medio de expresión. En su última exposición, «Sin sombra», Tojiki manipula miles de pequeñas luces que cuelgan para crear imágenes en 3D de un hombre y de algunos animales. Estoy muy sorprendido al comprobar que el artista es capaz de «ver» previamente la imagen, mientras coloca meticulosamente las luces. La creatividad de Makoto no se detiene en la producción de esculturas de luz, sino que también está involucrado en diseño de joyería y de muebles «. (Foto: Ryo Ishihara / Josh Rothman)
Madonna, fotografiada por Mert Alas y Marcus Piggott. Sesión de fotos promocional para el próximo álbum «MDNA», 2012.
Tras terminar la escuela y el servicio civil, Thomas Mangold se fue a estudiar Comunicación Visual a Dortmund, donde aún vive. Durante sus estudios, tuvo la oportunidad de realizar una pasantía en la agencia de publicidad Grey y Dusseldorf. También comenzó a recibir invitaciones de varias revistas para publicar sus peculiares series fotográficas. por ese entonces, un profesor de la universidad organizó un seminario intensivo de una semana sobre el programa Strata 3D. «Estaba familiarizado con los ordenadores VC20, que precedieron a la Commodore 64», dice Thomas, «Inmediatamente me gustó la idea, y tratamos de resolver algunas de las tareas de mi semestre con la ayuda de Strata, en lugar de hacerlo de la forma fotográfica.» Los resultados saltan a la vista.
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Les invitamos a conocer el segundo número de VISION, Espacio de Artes Visuales.
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Muchas gracias por ayudarnos a dinfundir este esfuerzo por el arte latinoamericano – Equipo VISION
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Panópticos es un proyecto de arte y regeneración de espacios de la Red Oriental del Lancashire Ambiental Arts gestionado por Mid Pennine. Se trata de la construcción de una serie de hitos del siglo 21, o panópticos (estructuras que proporcionan una visión completa) a través del este de Lancashire, Inglaterra, como símbolo del renacimiento de la zona. Cuatro esculturas de gran escala fueron encargadas, diseñados y construidas en un período de seis años para los distritos de Blackburn, Burnley, Pendle y Rossendale. Destacan la escultura sonora Singing Ringing Tree y el Halo de Haslingden, que fue la última escultura de la serie que se erigió en 2007. – Wikipedia
El árbol que anta (Singing Ringing Tree) es una escultura musical, con vistas a Burnley. Fue diseñado por los arquitectos Mike Tonkin y Anna Liu, y construido a partir de tubos de acero galvanizado. El Singing Ringing Tree fue inaugurado por el alcalde de Burnley, Mohammad Najib el Consejero y los diseñadores Mike Tonkin y Anna Liu el 14/12/2006 «. (Foto: WandereringSoul / Mark Tighe)