La terrorífica Isla de las Muñecas de Xochimilco.

Carolina Freitas da Cunha http://www.flickr.com/photos/17163276@N00/
 
La más conocida de de las chinampas (pequeñas islas artificiales en los canales de Xochimilco, en México) pertenecía a un hombre llamado Julián Santana Barrera, vecino del barrio de La Asunción. Santana Barrera era un solitario, que rara vez era visto por Xochimilco. Se hizo famoso por recoger viejos cuerpos rotos de muñecas de los canales y basureros, y luego colgarlos de las ramas y atarlos a los troncos de los árboles. Con ello, decía, alejaba los malos espíritus y apaciguaba al fantasma de una niña muerta que había encontrado en uno de los canales unos pocos años antes. Afirmaba que él creía que las muñecas de alguna manera seguían «vivas», pero «olvidadas» por sus dueños en otros lugares. Su chinampa fue descubierta en la década de 1990, cuando el área estaba siendo limpiada de los excesivos lirios de agua. Antes de esto, se pensó que no nadie vivía en esta chinampa, pero Santana Barrera estaba allí, habitando una choza sin servicios y en general no recibiendo a otros visitantes que no fueran de la familia. La exhibición de muñecos y piezas atrajo la atención de la prensa. Finalmente, dijo que las muñecas estaban allí para alejar los malos espíritus y para ayudar con las cosechas en sus jardines. Su favorita se llamaba La Moneca y él se movía con frecuencia alrededor de ellas, entre las ramas de los árboles. Don Julián comenzó a recibir a más visitantes a ver las muñecas, entre ellos hasta figuras políticas locales. Santana Barrera murió en el 2001. Circulaban muchas ideas sobre cómo falleció, algunos dicen que se ahogó en el canal porque se había vuelto loco, otros dicen que las muñecas cobraron vida y lo asesinaron. Pero de hecho, terminó muriendo de viejo. Las muñecas, sin embargo, todavía están en la isla, accesible en barco.

Abre tu caja de crayones y crea algo así.

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Christian Faur es un artista que reside en Granville, Ohio. Buscando una nueva técnica, experimentó con pinturas de cera, pero no sentía que los resultados fueran satisfactorios. Entonces, en las Navidades de 2005, su hija abrió una caja de 120 crayones Crayola que le había comprado y todo hizo clic en su mente. Faur decidió crear imágenes con los mismos crayones, combinando de miles de ellos juntos para convertirlos en píxeles de color como en una pantalla de televisión.
Inicia cada trabajo escaneando una fotografía en la computadora y fragmenta la imagen en bloques por tonos. Luego dibuja una cuadrícula que le muestra exactamente dónde colocar cada lápiz. Las obras terminadas se montan firmemente en marcos de madera. Ahora Faur hace sus propios lápices de colores, fabricando a mano cada uno en un molde y con la gama de tonos de su elección.

Escultura en papel de Calvin Nicholls.

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Calvin Nicholls es un maestro cuando se trata del arte de relieves en papel. Nicholls se las arregla para capturar la esencia y elegancia en cada una de sus esculturas. En esta colección particular, donde el foco es la naturaleza, están algunas de las setenta y cinco esculturas que se crearon para la Colección Campaña de Recursos Follet en respuesta a una solicitud de concesión de licencias del director artístico Lee Sievers. La colección completa se mantiene en exhibición en su sede corporativa internacional.

Espacio humano vacío: Bruno Catalano.

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El escultor francés Bruno Catalano trabaja  la escultura en bronce, con un tema recurrente: A sus figuras les  faltan siempre las secciones medias y parecen estar misteriosamente suspendidas en el aire. Cada una de sus esculturas muestra a alguien con una maleta en la mano, por lo general con una expresión introspectiva o incierta. La ausencia de la sección media representa la invitación de Bruno Catalano a los espectadores de sus obras a  llenar los espacios en blanco. Precioso  uso del espacio negativo y un uso magistral del trabajo en bronce.

Cómo fotografiar tus obras de arte.

Cómo fotografiar tus obras de arte para enviarlas a VISION.


 
El primer paso, por supuesto, es crear arte.
Para fotografiar una obra de arte, la mejor manera es colgarla o apoyarla en una pared. Si trabajamos con lienzo esto es muy fácil, pero si la obra está hecha sobre papel o cartón, vamos a tener que sostenerla con algo que permita que la colguemos o apoyemos verticalmente.
Hay que elegir una ubicación con luz natural, clara y suave. Una luz fuerte y directa puede provocar sombras, reflejos y también puede alterar el color de la obra.
Iluminación clara, obra en posición vertical, fondo neutro.
Las fotografías se pueden tomar en interiores (cerca de una ventana para obtener luz natural) o en exteriores.
La foto se debe sacar con la mayor calidad de imagen posible de nuestra cámara.
Si el lente de la cámara tiene polvillo, lo podemos limpiar con un trapito para anteojos.
Para asegurarnos de que la imagen es nítida, es importante que la cámara no se mueva cuando sacamos la foto. La mejor manera de hacer esto es usar un trípode. Si no tenemos uno, podemos usar una superficie plana nivelada para apoyar la cámara, como la que vemos a continuación.Cuando colocamos la obra para ser fotografiada, es importante que esté completamente de frente a la lente de la cámara. Si al apoyar la obra en la pared no podemos evitar que esté oblicua, entonces debemos reubicar la cámara en el mismo ángulo de la obra, para que la capte de frente.
Si fotografiamos una instalación o una escultura, hay que usar un fondo simple y despejado. Es bueno que la obra sea el único objeto en la fotografía.
Hay que dejar sólo un pequeño espacio alrededor de los bordes de la obra. Esto va a maximizar la resolución con que la obra es tomada.
Colocamos la cámara en posición horizontal o vertical para que se ajuste a la forma de la obra.
Es importante que el flash esté apagado. Esto es así porque si estamos usando una luz adecuada, el flash la va a sobrecargar.
La luz que utilizamos para sacar la fotografía puede tener muchos tonos distintos a los cuales nuestros ojos se adaptan fácilmente pero con los cuales la cámara puede tener problemas. La manera de lidiar con esto es usando el “balance de blancos” (“white balance”). Lo que debemos lograr es ajustar la cantidad de blanco de la foto para que coincida con la cantidad de blanco que ven nuestros ojos. Si el balance de blancos que trae nuestra cámara por defecto hace que la imagen tienda al anaranjado o al azul (como en los ejemplos de aquí abajo), podemos probar usando un ajuste apropiado al tipo de luz que estamos usando (que, en lo posible, debe ser luz natural).
Si estamos en interiores, lo mejor es apagar las luces, dado que éstas tienen su propio color, que interfiere con la luz natural.
A la hora de sacar la foto, lo mejor es usar el timer de la cámara, para asegurarnos de que la foto no salga movida. El timer crea un espacio de tiempo entre que apretamos el botón de la cámara y el momento en que la imagen es tomada.
Una idea para obtener la mejor calidad de imagen posible es usar un poco de zoom. Las lentes no logran la mayor nitidez cuando el zoom está al máximo o al mínimo. Los mejores resultados se obtienen utilizando un zoom medio.
Otra buena idea es ajustar la apertura de la lente a f8, pero para eso es necesario sacar la foto con trípode.
Después de tomar las primeras fotografías, debemos fijarnos algunas cosas. Si la imagen es demasiado clara u oscura (como en los ejemplos de aquí abajo), podemos usar el ajuste de compensación de exposición de la cámara para corregir el problema.
El color y el brillo de la foto original deben ser lo más parecidos posible a la obra. Luego podremos hacer ajustes con la computadora, pero si hacemos muchas correcciones al archivo, corremos el riesgo de dañar la imagen.
Hay que chequear que la foto haya salido bien enfocada. Si la imagen es borrosa, es probable que el autofocus de la cámara haya cometido un error o que la cámara se haya movido al sacar la foto.
Es muy recomendable realizar varias tomas de la misma foto, incluso si pensamos que la primera toma salió bien. Esto es así porque cuando tengamos la imagen en la pantalla de la computadora, a veces notaremos errores que no habíamos visto en la pantallita de la cámara.
Algo importante: no desarmemos el set de fotografía hasta no haber visto las fotos en la computadora. No vaya a ser que notemos algún error y tengamos que montar el set nuevamente.

Editando en la computadora

En cuanto al software para hacer retoque fotográfico en la computadora, algunas opciones son Gimp en Linux, Picassa si usamos Windows y iPhoto si usamos Mac.
Una vez que estamos en la computadora, copiamos las fotos de la cámara al disco rígido y elegimos la mejor toma de entre las que hemos sacado. Luego, con el software de retoque seleccionamos la herramienta de recortar imagen y la aplicamos para que sólo se vea la obra y no el fondo. Es importante chequear que no queden bordes visibles.
Utilizando el software de la computadora para eliminar los bordes de la imagen
Una vez hecho lo anterior, hacemos zoom a la imagen hasta el 100% y revisamos cuidadosamente la foto, chequeando que no haya nada que no estaba en la obra original. Usamos la herramienta de retoque para eliminar cualquier pequeña irregularidad.
A veces subir un poquito el contraste a la imagen puede hacer que se vea más viva, pero ¡ojo!, hay que ser muy cuidadosos de no excedernos con el contraste, porque es muy común que una imagen muy buena se arruine por editarla demasiado.
Por último, guardamos la imagen en el disco rígido con formato jpeg o png, y nos aseguramos de que, al guardarla, elegimos la opción de guardado que tenga la mayor calidad de imagen.
¡Ahora sí, nuestra pieza de arte está lista para ser subida a Internet como ella se merece!

* Este artículo es una traducción libre hecha por el equipo de Ártica del video “How to photograph your art”, de Tyler Stalman y Jason Eng, publicado en Saatchi Online.

Fotógrafos con visión: Darrell Eager.

Brain Yip
 
Cuando uno piensa de Darrell Eager, aparece un fotógrafo comercial con  un talento peculiar para el pensamiento conceptual. A Darrell le gusta trabajar con ideas vagas y una conceptualización de ida y vuelta hasta que se convierten en algo real y concreto, adecuado para cada proyecto. Darrell aporta su propia sensibilidad a cada disparo, ya sea con su sentido del humor, su sofisticación, o su inteligencia. Su fuerza radica realmente en la comprensión de las necesidades conceptuales, el tono y el objetivo comercial de cada cliente en cada una de las tomas. Cuando se dispara con Darrell, se tiene realmente la sensación de que va a compartir una visión, ya que realmente consigue y entrega lo que el está tratando de lograr.  Mantiene las cosas simples y no añade un montón de pasos innecesarios en el proceso, ya sea personal o de equipo. Pero sobre todo, es fácil y divertido trabajar con él .

Jack Long a toda velocidad. ¡Sorpréndete!

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A primera vista, estas imágenes parecen increíbles retratos de bodegones de flores. Pero lejos de haberse producido a la manera tradicional, han sido creadas por la fotografía en movimiento rápido de gotas de pintura suspendidas en el aire. El artista de Milwaukee Jack Long, de 53 años, pasa meses planificando y ensayando minuciosamente cada obra antes de capturar estas impactantes imágenes con una cámara de alta velocidad.

Garry Stretcht. Sonría, por favor.

Interviews For A Vampire At The Circus Of Horrors
 
Garry Stretch, quien posee el récord mundial Guinness por tener la piel más elástica, realiza una demostración durante las audiciones para el Circo de los Horrores en Fairfield Halls en Londres, Inglaterra. Cientos de personas solicitaron un puesto de trabajo en el circo después de que se publicara un anuncio en muchos centros de trabajo de Londres. (Foto: Scott Barbour / Getty Images)

El arte de los memes de Internet, por Sam Spratt.

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Con 23 años de edad, el artista radicado en Nueva York Sam Spratt combina su formación clásica con el arte contemporáneo, a menudo inspirándose en imágenes procedentes de los medios de comunicación en línea y los memes de Internet.
«El arte de los memes de Internet» es una divertida colección de ilustraciones inspiradas por lo que él llama la lengua vernácula visual de la web 2.0. La colección re-imagina una gran variedad de los populares memes de Internet con la sensibilidad de obras de arte. Spratt ha traído a la vida a estos personajes de Internet recreándolos en forma tridimensional.

Paisajes de Graham Gercken.

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Pinturas del galardonado artista de paisaje australiano Graham Gercken. La galería de miembros incluye otras pinturas de paisajes creadas por Graham al aire libre, su más grande estudio. Los temas de estas pinturas incluyen los escarpados acantilados de los Cañones de Blue Mountains, los desiertos secos de Australia Central y del suroeste de Estados Unidos y el drama de los colores de otoño de magníficas playas y dunas costeras.

El remedio definitivo a la calvicie: Philip Levine.

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El londinense Philip Levine comenzó a usar su cabeza como lienzo en el año 2006 cuando comenzó a quedarse calvo. Levine no quería conformarse con afeitarse la cabeza como todo el mundo, así que comenzó a utilizarla como una forma de arte y a expresarse creativamente a través de ella. Cientos de diseños de su cabeza se han convertido en iconos en todo el mundo. Como creador de tendencias, ha ganado el reconocimiento de sitios como Trend Hunter y NotCot, que se han referido a su trabajo con expresiones tales como Baldazzlin. Sus diseños han inspirando a hombres y mujeres por igual, dándoles una mayor confianza en ser calvos.

Ruedi Giger: Pesadillas alienígenas.

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Hans Rudolf Ruedi Giger (nacido el 05 de febrero 1940) es un pintor surrealista suizo, escultor y escenógrafo. Ganó un premio de la Academia al Mejor Logro de Efectos Visuales por su trabajo de diseño en la película Alien.

Giger comenzó su carrera con pequeños dibujos en tinta antes de progresar a pinturas al óleo. Durante la mayor parte de su carrera, Giger ha trabajado principalmente en aerografía, creando telas monocromáticas que representan paisajes oníricos surrealistas, de pesadilla. Sin embargo, ahora se ha abandonado en gran medida las grandes obras del aerógrafo en favor de las obras con pasteles, rotuladores o tinta.

Su innovación estilística más distintiva es el de una representación de cuerpos humanos y máquinas en una relación fría, interconectados, que él describe como «biomecánica». Sus pinturas muestran a menudo imágenes sexuales fetichistas. Sus influencias principales fueron los pintores Ernst Fuchs y Salvador Dalí. Él conoció a Salvador Dalí, a quien le fue presentado por el pintor Robert Venosa. Él era también un amigo personal de Timothy Leary. Giger sufre de terrores nocturnos y sus pinturas son en cierta medida, inspiradas en sus experiencias con ese trastorno del sueño en particular. Estudió diseño industrial y de interiores en la Escuela de Arte Comercial en Zúrich (desde 1962 a 1965) e hizo sus primeras pinturas como medio de terapia artística.

Tadao Cern te dejará con la boca abierta.

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En la primavera de 2010 quería probar algo nuevo y dejó de ser arquitecto. Ese «algo nuevo» resultó ser la fotografía. Fotografía de bodas, para ser exactos.
«Hoy viajo por el mundo con mis proyectos personales y encargos a sabiendas de que hay muchas más cosas que deben probarse. No tengaa miedo de cambiar algo en tu vida, porque para mí esa fue una de las mejores decisiones» – Tadao Cern

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